El radioteatro (a veces también referido como radio
comedia, comedia radiofónica o teatro radiofónico) es un audiodrama que se
transmite en la radio. Al carecer de componentes visuales, los radioteatros
dependen del diálogo, la música y los efectos de sonido para ayudar al oyente a
imaginar la historia.
Gracias a la radionovela tuvo un gran desarrollo
entre 1920 y 1940 convirtiéndose en una forma de entretenimiento popular a
nivel mundial. Con la llegada de la televisión, a mediados del siglo XX decayó
progresivamente hasta ocupar una pequeña parcela en la programación de espacios
de entretenimiento.
Acalorados
Título: Acalorados
Género: Ficción
Sinopsis: Quejarse
del calor es un lugar común. Pero el lugar no es tan común…
Duración: 04:45.
Créditos: Daniel
Moreno y Juan Carrasco (intérpretes). Marcelo Cotton (guión), Marcelo Cotton y
Lidia Argibay (dirección de actores), Gabriela Pérez Menéndez (asistente de
producción), Adolfo Schmidt (grabación en estudio). Marcelo Cotton (edición).
“Acalorados” es la historia de
dos hombres, según mi interpretación amigos, que se encuentran en un lugar
sumamente caluroso lo cual es motivo de múltiples quejas. Toda la acción gira
en torno al displacer que les genera la temperatura del lugar en donde se
encuentran ubicados. Cabe aclarar que
toda la trama trascurre en dicho espacio.
Desde el comienzo hasta el final
se escucha un solo efecto de sonido, el cual en mi consideración, parece imitar
una ducha o un sonido muy característico del baño, razón por la cual me di
cuenta desde el inicio que se trataba de un sauna o algo similar. Es decir, si
bien este efecto actúa como colaborador para situar la acción dentro de un
lugar puntual y cerrado, pienso que resulta muy predecible para el desenlace de
la historia.
No existe música incidental, es
decir no hay ningún sonido que nos indique que algo está por suceder, sólo
ocurre la presencia de un tema sobre el final que actúa como cortina de cierre
de la historia.
“Acalorados” transcurre en tiempo
real y lineal. En cuanto a los personajes y tal como lo he mencionado anteriormente,
los mismos parecen tener una relación de amistad ya que en ocasiones rememoran
recuerdos de un pasado compartido como por ejemplo cuando uno le dice al otro
que se acuerde el calor que pasaron camino a Santa Teresita y como se insoló en
aquella oportunidad.
En cuanto al género, resulta difícil
encasillarlo ya que no tiene muchos matices ni características muy marcadas de
un género en particular. La ironía del hecho de que se estén quejando del calor
dentro de un “Baño Finlandés” me lleva a pensar que se trata de una sátira o
comedia.
Me gustó mucho poder escuchar
este radioteatro ya que nunca había tenido la oportunidad de oír ninguno. A
pesar de la previsibilidad del final me pareció muy interesante y entretenido.
Tokio, Japón, 1933. Vive y trabaja en Nueva York. Fue la primera mujer
admitida en la carrera de Filosofía de la universidad japonesa Gakushuin y más
tarde se licenció en poesía y composición contemporáneas en la universidad Sara
Lawrence College. En 1961 comenzó una carrera artística vinculado al arte
conceptual y participativo.
En 1966 conoció a John Lennon, quien no solo se convirtió en su pareja
sino en el co-autor de un conjunto de performances, films y piezas musicales.
Su vinculación a la música pop fue creciendo y juntos crearon la banda Plastic
Ono Band. A partir de 1989 y en los años 90, después de atravesar su duelo por
la muerte de Lennon, volvió a participar en exposiciones en donde presentó una
nueva serie de esculturas hechas en bronce, muchas de las cuales aludían a sus
obras de los 60.
Desde principios del siglo XXI se mantuvo muy activa en exposiciones
de arte, intervenciones en espacio públicos y participaciones musicales con
reconocidos artistas. Su interés por Internet, la convirtió en una de las
primeras artistas que se interesó por usar el medio para exposiciones
virtuales.
Dream Come True
Esta última muestra presentada en Buenos Aires, está compuesta por más
de 80 trabajos, que incluyen objetos, videos, films, instalaciones y registros
sonoros producidos desde principios de los 60 hasta hoy, y tiene como eje las
llamadas Instrucciones, que Ono viene desarrollando desde hace más de sesenta
años.
Usando un lenguaje claro y universal, Ono produce objetos, eventos,
rituales y acciones, cuya precisa elaboración se completa a través de la
participación del público. Las “instrucciones” son piezas compuestas por
mensajes simples y poéticos, que invitan a los espectadores a realizar
determinadas acciones, como “escuchar el sonido de la Tierra girando” o
“encender un fósforo y vigilar hasta que se consuma”, etc.
Al ingresar a la muestra, uno se encuentra con la posibilidad de
iniciar el recorrido hacia la derecha o la izquierda, sin embargo, el 90% de
los visitantes, al igual que los guías del lugar eligen la derecha para comenzar.
La primera propuesta hacia la derecha, (ya interactiva) consiste en
subir una escalera y buscar con una lupa la palabra “SI”, escrita sobre el
techo. Pienso que la misma es bastante confusa ya que desde el piso se puede
apreciar donde se encuentra la palabra “SI” escrita, sin embargo, al subir la
escalera e intentar observarla con la lupa es imposible de encontrar ya que la
lupa está sumamente desenfocada.
Continuando el recorrido nos encontramos con frases sobre las paredes,
que nos acompañarán a lo largo de toda la muestra, al igual que los videos, en
su mayoría referidos a Lennon.
Por el pasillo nos encontraremos con, en mi opinión, la parte más
polémica de toda la muestra, un homenaje a las madres en donde se observan fotografías
de partes íntimas de la mujer lo cual me resultó bastante chocante.
Todo invita a participar, a realizar una acción, a pensar... témperas
para colocar color sobre un gran mural, un gran pizarrón y tizas para escribir,
sellos con la frase “imagina la paz” para grabarlos sobre algún lugar del mundo
que elijas, vajilla rota y cinta para repararla como si fuese el mundo, dos
grandes telas negras para meterse dentro y mirar desde esa perspectiva, una
gran cruz para clavar clavos y por último árboles para pedir deseos y atarlos a
él.
Si bien la muestra en general me agradó, esperaba más de un
ícono como lo es Yoko Ono, es decir, las acciones que realizó en conjunto con
John Lennon fueron tan revolucionarias y trasformadoras que esta exposición
sabe a poco. Podría haberla realizado cualquier otro arista de menor renombre y
se hubiera notado la diferencia.
Mariela Condo es una cantante, autora y compositora
ecuatoriana, nacida en la comunidad indígena de Cacha, descendientes del pueblo
Puruhá, ubicada en la provincia de Chimborazo en la sierra sur del Ecuador. Su
herencia musical proviene de su familia, pues sus abuelos y padres han sido
parte de la historia artística de su provincia. En 1998 forma parte de varias
agrupaciones corales, más tarde empieza a componer y escribir canciones de
inspiración propia, llegando a convertirse en una de las cantautoras más
reconocidas del Ecuador.
En esta canción al igual que en “Mañana Despertar”, se
habla de la importancia de la cultura del trabajo ya que en su letra cuenta la
historia de una madre que duerme a su bebé ya que debe irse a trabajar “duérmete mi bebita, duérmete; descansa
mi bebita, descansa; tengo que ir a labrar la tierra e ir a pastorear”.
Es una canción sumamente dulce y demuestra una vez más
que la música trasciende todas las fronteras, incluso las idiomáticas. No es
necesario entender lo que dice para que te conmueva.
La Casa de la Cultura de la Calle (CACUCA) es una organización no gubernamental, creada por iniciativa del actor argentino, Gastón Pauls. Es una experiencia artístico-cultural para promover la
creatividad y el aprendizaje en infancias y adolescencias en situación
de desigualdad y exclusión social.Desde CACUCA se abre un espacio de contención y confianza para que los
chicos exploren, descubran y reconozcan maneras de expresarse a través
de un hecho artístico, mediante el cual no sólo puedan construir una
mirada personal y crítica, sino también expresarse con libertad.
En este contexto es que nace "Canciones de Cuna", el primer albúm producido por la CACUCA.
Todas
las letras de este CD fueron escritas por chicos de 7 a 21 años que a través de talleres compusieron bajo la consigna de elaborar una canción de cuna "que les hubiera gustado que les canten o que les gustaría cantarle a sus hijos".
Los músicos que participaron en este proyecto dándole melodía a las canciones, tienen la particularidad de no poseer un estilo musical melódico.
La escucha de cada uno de los temas que conforman el CD, nos permitirá acercarnos y conocer un poco la historia de vida de cada uno de sus compositores. Temas recurrentes como el llanto, la mención de la madre y el reclamo serán movilizantes para el oyente y lograrán sensibilizarlo hasta las lágrimas, aún más cuando piense en quienes lo gestaron.
En cuanto a la parte técnica, la mayoría de las canciones están acompañadas con un solo instrumento como ser: guitarra, piano y xilofón.
Canciones de Cuna fue declarado de Interés Cultural por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y actualmente lleva vendidas 20.000 copias.
Nombre: “No me llore tanto”
Compositor: Nayeli (16 años)
Interprete: Ricardo Mollo.
Es una canción muy suave y tranquila, posee poca letra y mucha melodía
tocada con guitarra.
Al escucharla sentí una sensación de angustia ya que su letra hace alusión
al llanto, con lo cual me hizo pensar que la compositora, en su niñez, lloró
mucho.
No me gustó el hecho de que no se entienda mucho lo que se dice,
debido a que el cantante modula poco.
Nombre: “Tu mundo”
Compositor: Karina Martínez (17 años)
Interprete: Hilda Lizarazu.
Es una
canción mucho más alegre, me recuerda a las que utilizamos en el Jardín para la
hora de la siesta de nuestros alumnos, es decir que es una canción especial
para dormir.
Hace
referencia al momento de dormir en los brazos de mamá y la seguridad que esto
genera en el niño.
El xilofón
como instrumento predominante nos conecta con la niñez y su inocencia tan
particular.
Nombre: “Mirame”
Compositor: Nayelí (16 años)
Interprete: Fito Páez.
El piano es el instrumento que predomina en esta canción. Nuevamente
en un tema compuesto por Nayelí se hace alusión al llanto: “cierra tus ojos
mojados de tanto llorar”, lo cual me lleva a pensar que mi hipótesis de una
infancia difícil y de mucho llanto, fue real.
A diferencia de “No me llore tanto”, aparece la figura materna.
Pienso que la voz tan fuerte y particular de Fito, transforma el tema ligándolo
más al rock que a las canciones de cuna, debido a que no genera una sensación
de calma o tranquilidad.
Nombre: “Mañana despertar”
Compositor: Luciano Nieto
Interprete: Luis Alberto Spinetta
Este tema tiene la particularidad de introducir en su letra un
contenido tan importante como la cultura del trabajo.
En cuanto a sus particularidades técnicas, se diferencia del resto de
las canciones por no terminar abruptamente. Al igual que “no me llore tanto”,
es interpretada únicamente con guitarra.
Es uno de los temas del cd que
más me gusta.
Nombre: “Madre Santa”
Compositor: Claudio
Interprete: Lisandro Aristimuño.
A diferencia del resto de las canciones, esta tarda mucho en comenzar
su parte cantada. Me llaman poderosamente la atención los sonidos de fondo como
ser el silbido del comienzo que me conecta con un sonido similar al de una
Iglesia y el sonido de los pájaros.
Pienso que fue escrita en tono de reclamo del hijo hacia su madre, por
lo que dice su letra, la cual resulta bastante fuerte y me deja una sensación
de angustia.
Nombre: “Ojitos de mi corazón”
Compositor: Lucas Bustamante
Interprete: Pedro Aznar.
Es una de las canciones que más me gusta por la suavidad y dulzura que
transmite. La voz de Pedro Aznar te introduce en el sueño. Me parece sumamente
conmovedora ya que le habla al niño con mucho amor.
País: España. Duración: 101 minutos. Guión y dirección: Pedro Almodóvar. Reparto: Cecilia Roth, Marisa Paredes, Candela Peña, Antonia San Juan, Penélope Cruz Rosa María Sardá, Fernando Fernán Gómez, Toni Cantó, Eloy Azorín, Fernando Guillén, Cayetana Guillén Cuervo, Carlos Lozano. Año: 1999
Quizás el error como espectador haya sido no respetar la línea histórica en las películas y es que después de haber visto "Julieta", no hay elemento de ella que no encuentre en la clásica y anterior "Todo sobre mi madre".
Este film relata la historia de Manuela (Cecilia Roth), quién luego de la muerte de su único hijo Esteban (Eloy Azorín), emprende el viaje hacia Barcelona en busca de su exmarido y padre del chico.
En esta película, podremos encontrar algunos de los elementos típicos de Almodóvar como ser, el melodrama, la inclusión de elementos y objetos bizarros y el abordaje de la homosexualidad y transexualidad.
Sin embargo, tal como lo he mencionado anteriormente, me resultaron muy llamativas la cantidad de coincidencias que se pueden encontrar con la reciente "Julieta".
En primer lugar y ya abordado desde el título, el foco en las relaciones entre madres e hijos (Manuela con Esteban y Julieta con Antía). En segundo lugar, la utilización del diario/crónica como recurso develador de secretos desconocidos (Esteban escribe sobre su madre y Julieta a su hija). Luego, la presencia de la muerte y con ella la hamartía (error) de dejar que su hijo corra detrás del taxi, al igual que Julieta dejo sólo a su marido en una tarde de tormenta.
Más adelante, la discapacidad de los adultos mayores como en el caso del padre de Rosa (Penélope Cruz) y de la madre de Julieta. Por último, el viaje como elemento poético y con un sentido psicológico de búsqueda interna, presente en ambas películas.
